Luz, Piel y Belleza. Entrevista al Genio del Hiperrealismo Omar Ortiz

Poder entrevistar y mostrar la obra del pintor mexicano Omar Ortiz es para nosotros un gran placer. Omar es un artista que disfruta con el reto de reproducir los tonos de la piel con la luz natural y los matices que esta brinda, manteniendo la simplicidad. Sus obras hiperrealistas rebosan belleza donde predomina la figura humana con fondos llenos de texturas, telas y colores. Éstas han sido aplaudidas y reconocidas por la crítica por su especial maestría. Sus creaciones han estado presentes en galerías de diversas ciudades de México, España, Taiwán e Inglaterra.
Nos complace enormemente poder disfrutar de ellas.

Hola Omar:

– ¿Cuándo se despierta tu interés por el dibujo y la ilustración? ¿cómo fue el encuentro?
Mi interés por el dibujo y la ilustración se despierta desde muy temprana edad. Tengo recuerdos de mi infancia. Mi padre me motivaba a dibujar casi desde que estaba en preescolar. En la primaria me gustaba mucho hacer copias de ilustraciones de cómics. Siempre he sentido una necesidad que difícilmente puedo explicar a qué responde por estar enfrente de un soporte o un papel dibujando, echando rayas, echando color.

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Mi encuentro con el dibujo supongo fue de forma natural; nadie me forzó, ni nunca me sentí obligado, al contrario, mi padre siempre hizo lo posible por motivarme y decirme que yo podía. Supongo que él tenía ciertas aptitudes también para el dibujo pero nunca las desarrolló ni las llevó a cabo. Es muy bueno haciendo manualidades inventos, reparaciones y cuestiones mecánicas; pero nunca se especializó en algo en concreto.

– ¿Hay alguien en tu familia dedicado a las artes?

En mi familia directa no hay nadie dedicado profesionalmente a las artes. Tengo recuerdos de una tía que estimo mucho, mi tía “Tita”. Cuando yo estaba pequeño ella ya pintaba a manera de hobby. Ella me dio varios consejos, me enseñó algunos consejos básicos a cerca del volumen, del claroscuro, etc.
Recuerdo una frase que me dijo cuando yo tenía 12 ó 13 años. Yo ya intentaba mostrar mis dibujos en las reuniones familiares y ella decía que “yo era como un diamante, pero un diamante en la naturaleza se encuentra en bruto. Todavía necesita pasar un proceso para ser pulido y adquirir esa belleza puede llegar a tener la piedra preciosa”. Esa frase se me quedó muy marcada y me hizo dedicarme y trabajar a través de los años para lograr pulir ese diamante y que realmente fuera una piedra preciosa.

– Entre tantas técnicas, pastel, acuarela, acrílico, carboncillo, aerografía, digital… ¿Por qué decides el óleo?

Elijo trabajar en óleo porque la considero la técnica más noble, más versátil y con mayores cualidades para realizar una obra maestra. Cuando yo estudié en la Universidad (tengo licenciatura en Diseño Gráfico) ahí la única técnica de representación que no nos mostraron o una de las únicas fue el óleo, porque no se considera que sea necesaria para la carrera. Sin embargo si te enseñan técnicas de representación como acrílico, lápices a color, marcadores de aceite, dibujo natural con grafito, carboncillo, aerografía, técnicas de ilustración digital…, en fin, son técnicas que van más dirigidas a la ilustración o la representación de las gráficas para viñetas, libros, imagen corporativa… otro tipo de situaciones. Y ahí es donde aprendo yo a utilizar diferentes técnicas.

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Pero hasta dos años después de haber terminado mi carrera fue que empecé a introducirme en el mundo del arte. Tuve una maestra particular que ya tenía 25 años de carrera. Ella fue la que me enseñó a trabajar la técnica del óleo.
Yo estaba muy apegado a trabajar con acrílico y sobre todo con aerógrafo por que en aquel momento sentía que me daba el resultado que yo requería. Pero una vez que entendí como funcionaba el óleo decidí que ahí es donde quería quedarme.

– Has tenido como maestra a la gran pintora Carmen Alarcón, ¿que ha supuesto para ti esa experiencia?

Considero a mi maestra Carmen Alarcón mi principal acercamiento al mundo de las artes, ya que yo venía de la carrera de diseño gráfico que te enseñan a hacer representaciones o ilustraciones.

Mi maestra me enseñó que la ilustración ataca directamente al intelecto pero una obra de arte debe atacar directo al corazón. Y ahí radica esa diferencia básica que yo entendí. No me enseñó ella directamente técnicas de hiperrealismo que es lo que he terminado haciendo, supongo de una forma natural, porque me cuesta mucho trabajo hacer lo contrario; pero si me enseñó a observar muy bien el mundo, a entender de formas y colores y a pensar distinto.
También me enseñó obviamente las técnicas de como emplear el óleo; cual es el proceso, como trabajar en capas, trabajarlo en seco, en fresco, como preparar el soporte, etc.
Considero que fue mi principal acercamiento hacia el mundo de las artes plásticas.

– ¿Cómo han sido tus comienzos? ¿cómo consigues exponer y vender tus primeras obras?

Mis primeros pasos en este fascinante mundo de la pintura y la venta del arte se dan gracias a que me invitaron a una exposición en una ciudad pequeña donde yo vivo, donde nacieron mis padres, en un museo local.
Preparé 3 ó 4 pinturas que tenía que no respondían a un tema en particular. Uno era un retrato, un autorretrato, otros eran con temas mexicanos, etc.

El curador del museo, era de Guadalajara, donde yo vivo. Cuando él va un día antes de la exposición y ve las piezas que la gente había colectado, la gente que trabaja para él en el museo, le gustó en particular mi obra y pidió datos de quién era el pintor. Le comentaron que era un pintor de Guadalajara donde él mismo vivía y solicitó mi teléfono para solicitarse conmigo.
Me regala una llamada y me dice que cree que tengo potencial, que cree que debería dedicarme a esto de la pintura, etc. Solicita conocerme, a lo cual yo accedo y me presenta a un muy buen amigo de él, Francisco González corredor de arte.

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Tenemos una reunión, me entrevistan, me preguntan cuales son mis aspiraciones artísticas, etc., a lo que yo respondo que no tenia muchas, simplemente me gustaba pintar. Yo era diseñador gráfico y era una forma alternativa de ganarme un dinero haciendo retratos o vendiendo un par de pinturas y ahí comienza un poco ese camino.

Francisco González me propone comenzar a pintar guiado por él a cerca de la temática, los formatos, etc. A lo cual yo accedo y me parece muy bien que alguien me vaya instruyendo y asesorando y él se encarga de colocar las piezas con amigos y coleccionistas que él tenía. Así es como inicio este camino.

– En la mayoría de tus creaciones predomina la figura humana, ¿Qué te atrae de ella?

Creo que siempre he sentido una fascinación por el cuerpo humano y creo que es un reto bastante grande y complicado. Siempre me han gustado los retos y tratar de hacer cosas que empujan un poco mis límites.

Al mismo tiempo siento gran pasión cuando estoy dibujando o pintando una figura humana. No siento lo mismo por pintar un paisaje o un bodegón. Técnicamente podrá resultarme difícil lograrlo, un buen paisaje o un buen bodegón de frutas, pero al final siento cierto hueco que no me deja satisfecho por completo. Sin embargo eso sí lo experimento cuando hago figura humana.

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Con el tiempo pues se fue moldeando un poco mi gusto por la temática. Creo que el cuerpo humano es de lo más bello que existe. Somos una representación perfecta, una máquina perfecta de la visión de Dios. Pinto en su mayoría el desnudo pero no es con una visión de morbosidad o de pornografía, es con una visión de belleza o de estética. Es por eso que me atrae pintar el cuerpo humano, figura humana.

– ¿Cómo es tu día a día?

Mi día es muy sencillo. Tengo diferentes roles que jugar.
Soy esposo, soy padre de una niña hermosa de 4 años a la cual dedico todo el tiempo que me queda libre.
Por la mañana preparo el desayuno de mi hija para la escuela, tengo otro negocio que comenzó como un hobby y ya duró 9 años, en el cual ya tengo gente que trabaja para mí. Lo inicié como una jugarreta (un juego) pero ya es algo alterno. Es un desarrollo de una cartografía de un mapa topográfico que nuestro mercado principal son gente que practica actividades de campo. Es el desarrollo de un software.
Principalmente en las mañanas me convierto en empresario, administrador, ya que a parte de ser pintor uno debe dedicarle tiempo a las finanzas.

A medio día, es cuando comienzo en mi papel de pintor. Pinto cerca de 5 horas al día y por las tardes nuevamente el rol de esposo y padre. Trabajo de lunes a sábado. Me gusta realizar actividades de campo, salir a hacer bicicleta de montaña, caminata, todo lo que tenga que ver un poco con deportes extremos o al aire libre.

– ¿Cómo es el proceso creativo de tus pinturas?

Mi proceso creativo responde directamente a esa necesidad o a esa búsqueda constante de situaciones o escenas de belleza. Todos los días uno aprende algo nuevo, ya sea viendo una película, escuchando una canción, observando una escena en la calle, en revistas, en periódicos, en internet, etc.

Paso gran parte de mi día siendo observador de una manera distinta a como lo hace la mayoría de la gente. Creo que un pintor debe de ser como un loco que deambula por el mundo observando las cosas no como lo que son, sino como formas y colores. Todo el tiempo estas viendo como reaccionan los objetos a la luz, a la temperatura de la luz, como se proyectan las formas. Porque se ve de tal manera un brazo escorzado, como funciona la perspectiva, etc. Son muchos factores. Todo el tiempo estas con la vista tratando de entenderlos.

Soy una persona que trabaja mucho. Creo que la creatividad existe pero te ha de encontrar trabajando y me nutro mucho de imágenes, de estar viendo el trabajo de otros pintores por internet, en libros y retomando los aciertos que ellos tuvieron o que yo considero que son importantes para mi trabajo o que me gustaría perseguir.

En ocasiones con el tiempo cambias, puedes durar dos o tres años siguiendo el trabajo de tal artista y luego de repente ves otras cosas que te gusta más. Creo que mi trabajo debe de cambiar y acercarse un poco más a lo que tal pintor logró, su visión de la belleza, etc.

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– En tus obras ¿Qué es lo que te resulta más fácil y en que encuentras mayor dificultad?

Creo que en mis obras lo que me resulta más fácil es el propio echo de trabajar. Una vez que estás sentado o parado pintando todo fluye de una forma natural, no se me complica tanto. Pocas veces termino frustrado o de mal humor por aquello que haya pintado, es algo que se me facilita y creo que lo que me cuesta más trabajo en ocasiones es propio proceso creativo. Tratar de ser original, el de proponer, el de hacer que tu obra tenga discurso, que tenga peso, que no se caiga tan fácil.
Que difícilmente tu trabajo va a agradar a todo el mundo y eso me ha quedado muy claro. Pinto para mí, para satisfacer mi necesidad. No para quedar bien con los demás. Pero el proceso creativo es aquel que en ocasiones me resulta difícil.

– La cultura mexicana es muy rica en arte, ¿te ha sido más fácil por ello abrirte camino?

No creo que el echo de ser mexicano, ofrecer en la cultura mexicana que está efectivamente llena de arte y de muy buenos pintores me haya facilitado abrirme camino. Mi trabajo no responde a esos típicos mexicanismos, no pinto temas mexicanos y no me cuelgo de esa etiqueta para vender mi trabajo. Creo que mi trabajo es un poquito más universal. No se siente como arte mexicano.

Soy orgullosamente mexicano pero mis temas no son meramente propios de mi región. Entonces no creo que eso me haya facilitado abrirme camino. Creo que lo que me ha facilitado abrirme camino ha sido el esfuerzo constante, el trabajar diario, el pintar mucho, el tratar de ser mejor persona, mejor pintor y creer que no hay límites; que los límites se los pone uno mismo.

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No he escalado los pocos escalones a base de ayuda o de palancas o de relaciones. No vengo de una familia rica, no se me ha puesto el plato servido sobre la mesa. He tenido que luchar por ello y he tratado de estar en el lugar correcto, con la gente correcta y a la hora correcta para que mi trabajo sea valorado y yo mismo he sido mi propio agente gracias a internet. Son herramientas muy eficientes
para dar a conocer tu obra.

– Has expuesto tus creaciones en diferentes partes del mundo, Inglaterra, España, Grecia, México, Taiwán… ¿Cómo es la respuesta en países con culturas tan distintas?

Creo que mi obra es mucho más regional. Es un poco más esa búsqueda de la belleza universal que necesita poco discurso. No es una crítica, no contiene diálogos intelectuales complicados; es simplemente la representación de la figura humana.

Yo creo que por ello ha sido fácil que sea aceptada en diferentes culturas. En mi sitio web y en mi página de facebook, me sigue mucha gente de culturas tan distintas como gente de la India, árabes, mucha gente de Argentina, de España, de Estados Unidos, de Inglaterra, de Rusia. Y creo que, a fin de cuentas, todos tenemos la misma percepción de la estética.

– En mis viajes nunca falta…
Ese cosquilleo que me da cuando voy a salir.
Siempre tengo una frase cuando voy a viajar que me recuerda el porqué me gusta y la saqué de la película “UP” de Pixar, que dice: “La aventura nos aguarda”.

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Siempre me gusta tener ese hormigueo, esa sensación de que algo interesante va a suceder y por supuesto tampoco nunca falta mi cámara.

– ¿Qué influencias artísticas tienes? ¿Qué artistas admiras? ¿de qué fuentes bebes para inspirarte?

Hace algunos años la fuente de inspiración del trabajo de otros artistas la buscaba en libros, pero de unos años para acá las redes sociales e internet han venido a revolucionar todo esto.
Ya no solo está al alcance de las manos estudiar a pintores del Renacimiento, sino que, en cuestión de minutos está uno observando obras que se terminaron el día de ayer por algún pintor ruso, español, italiano y casi en tiempo real estas viendo piezas hermosas contemporáneas.

Tengo mucha influencia de la obra de Miguel Ángel. Me gusta mucho el trabajo de Claudio Bravo. En mis inicios tengo algunas pinturas que son una especie de homenaje a sus temáticas.

Algún tiempo seguí también la obra de Gottfried Helnwein.
Soy seguidor del realismo o naturalismo de William Adolphe Bouguereau, pintor francés. Toda esa corriente me gusta.

Pintores contemporáneos como el ruso Serge Marshennikov, españoles como Javier Arizabalo, Eloy Morales, Antonio Cazorla, Kike Meana.

El pintor mexicano que radica en España muy bueno que se llama Edgar Noé Mendoza.
Me gusta estar observando siempre distintas corrientes. Siento una gran atracción por gente que pinta algo similar a lo que yo. Que representan la figura humana con desnudo con tal delicadeza, con tal belleza, que se te llega a erizar la piel.

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Cuando estoy observando arte y veo bodegones, abstracto, arte contemporáneo no le dedico tanto tiempo a esas piezas. Si me gusta observarlas y tratar de entender pero no siento lo mismo que cuando estoy viendo una pieza por ejemplo de Alma Tadema que puedo durar 45 minutos o una hora enfrente de la pintura y retirarme todavía con esa sensación de que debí de quedarme más.

– ¿De qué nutres tu vida?

Intento alimentar mi vida de emociones que son las que perduran en la mente. Las cosas materiales se deterioran. Soy una persona que cree los excesos en lugar de enriquecer nuestra vida la empobrecen.

No es más rico el que más tiene sino el que menos necesita.

– Nunca me canso de …

Nunca me canso de pintar.
Nunca me canso de tratar de superarme a mí mismo.
Nunca me canso de tener autocrítica, que creo que es la mejor.
Nunca me canso de tratar de ser mejor día a día.

– Para los que empiezan en tu campo ¿Qué puedes sugerirles que les pueda ser útil?

Para los que comienzan en este mundo de la pintura mi sugerencia o consejo es que nunca se den por vencidos. Nunca es tarde para comenzar. Siempre hay que tratar de superarse, de ser mejores.

No existe una varita mágica que te resuelva tu carrera. Hay quienes tienen facilidad y otros que batallamos un poco. Pero hay gustos para todo.

No se comparen con otra gente. No luchen por se mejores que otra gente. Luchen por ser mejores que ustedes mismos día a día, y eso los va a llevar de alguna manera al éxito o a la satisfacción personal.

No esperen que nadie les regale nada. Nadie regala nada. Uno debe ganárselo por sí mismo, abrirse camino.

No esperen ser reconocidos de la noche a la mañana. Esto es un oficio y requiere mucho esfuerzo y muchas horas de trabajo. Pero todo es posible.

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Gracias Omar por regalarnos parte de tu tiempo con esta entrevista y felicidades por tu trabajo. ¡¡Te deseamos desde Nutremagazine numerosos éxitos!!

Fuente: http://www.nutremagazine.com/

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4 comentarios sobre “Luz, Piel y Belleza. Entrevista al Genio del Hiperrealismo Omar Ortiz

  • el 2017-04-17 a las 6:41 am
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    por que solo mujeres desnudas??? 🙂 flacas y con buen cuerpo jovenes… le falta algo a este pintor….. la vida no solo son mujeres desnudas…

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  • el 2016-11-19 a las 11:58 am
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    Que admirable su trabajo y la sencillez como cuenta su trallectoria…me ha inspirado para seguir en esto que tanto me gusta.

    Respuesta
  • el 2016-08-23 a las 2:08 am
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    definitivamente admiro a toda la gente talentosa son verdaderos maestros

    Respuesta

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